• À PROPOS DE NICE À NIMES : VENET BERNAR concept, 1966

    Bernar Venet

    Figure 46 – Vecteur linéaire 

    bois, papie,r plastique, graphite, noir et rouge

    Bernar Venet a entrepris, dès les années 1960, une radicalisation sans précédent de l'expérience artistique et de la production esthétique. Rebuté par les conventions ressassées de l'art français, fasciné par le formalisme américain et, surtout, Marcel Duchamp ; il s'est imposé, à partir de 1970, comme l'un des chefs de file de l'art conceptuel. 1966 c'est l'engagement dans les nombres, les figures, les espaces, les fonctions, les relations, les structures, les vecteurle conceptuel qui lui ouvrira les portes des galeries américaines et de son marché. 

    À PROPOS DE NICE À NIMES : VENET BERNAR

    Bernar Venet

    À PROPOS DE NICE À NIMES : VENET BERNAR

    Bernar Venet

    1966

    Bernar Venet

    « En présentant ce que l’on définit habituellement comme « objets mathématiques » : nombres, figures, espaces, fonctions, relations, structures, etc.... l’œuvre d’art peut alors s’élever à un niveau d’abstraction maximal qui lui était étranger. Le « non-référentiel » est poussé dans ses extrêmes limites. Nous n’avons plus, comme dans l’art abstrait, de symbolique non plus, celle de la forme ou de la couleur par exemple... Je propose un système auto-référentiel maximal, celui que seule une équation mathématique peut contenir. »

     

    Les Années conceptuelles : 1966-1976

     

     

     © studio point to point


  • À PROPOS DE NICE À NIMES : CÉSAR Baldaccini, sculpture,

     enveloppage 

    « Les Enveloppages c’est le langage organique de la matière, les possibilités de la matière... Ce qui compte, c’est la beauté de la matière, et toutes les matières sont précieuses quand je leur parle : le pneu, l’or, le papier, la tôle... »  In César. Œuvres de 1947 à 1993, cat. expo., Paris/Marseille, RMN / Musées de Marseille, 1993 (p. 200)

    sculpture de César Baldaccini réalisée en 1970

    L'’ensemble de cette opération délicate : le placement des feuilles de Plexiglas les unes par rapport aux autres lorsqu’elles sont couchées dans les tiroirs d’une étuve, puis le moment où, suffisamment souples, elles sont « sorties et pliées dans une matrice construite spécialement et dont le couvercle, actionné par un levier, s’enfonce de manière à plier les feuilles ». Des trous placés dans le châssis permettent d’envoyer de l’air pour accélérer le refroidissement du Plexiglas. « Au bout de vingt minutes, indique César, la matière est prise, mais elle craque pendant des heures ». Catherine Millet, « Historique des Compressions », dans César à Venise, cat. expo., Paris, Éditions du Regard/AFAA, 1995, p. 49

    À PROPOS DE NICE À NIMES : CÉSAR Baldaccini, sculpteur, art contemporain,

    "enveloppage" de César Baldaccini sculpture réalisée en 1970 et Sculpture de Toni Grand.

    Dans les Enveloppages, César utilise ce processus en y insérant des objets. Machine à écrire, télé- phone, paire de chaussures, moulin à café, outils, ventilateur, tous ces objets anciens, issus du quotidien ou de la brocante que l’artiste aime à fréquenter, apparaissent, tels des reliquaires, figés dans une ou plusieurs feuilles de plastique. Ils sont de petite dimension et d’une grande qualité décorative. L’ampleur des plis et replis de la feuille de Plexiglas magnifie leur présence.

    À PROPOS DE NICE À NIMES : CÉSAR et ombre portée

    La série des Enveloppages, œuvres peu connues au caractère expérimental, fait suite aux Compressions transparentes des années 1970. Dès 1965, César exploite les matières plastiques : en voyant par hasard des feuilles de méthacrylate chez un fabricant niçois de meubles et de vitrines, il comprend que la technique des Compressions peut s’appliquer à d’autres matériaux que la tôle. 

    À PROPOS DE NICE À NIMES : CÉSAR compression, sculpture, enveloppage,

     Les Enveloppages soulignent le rapport complexe entre l’intérieur et l’extérieur de l’œuvre. Ils révèlent l’admiration de César pour les sculptures, anciennes ou modernes, dont les surfaces tendues expri- ment une puissance qui vient, à ses yeux, du plus profond de l’œuvre. César considéra pendant tout un temps ce type d’œuvres comme des « expériences ou parfois même comme de simples essais pour des chemins [qu’il n’avait] pas pris », mais elles trouvent aujourd’hui leur juste place. César, entretien avec Bernard Blistène, ibid, p. 186 .

    À PROPOS DE NICE À NIMES : CÉSARE, #compression,

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    À PROPOS DE NICE À NIMES, CÉSAR, compression, origine,

    clique l'image  

    Compression originelle de la théière de César Baldaccini réalisée en 1970 à Nice pièce unique.

    Métal fixé sur bois. Peinture émail distribuer sur l'ensemble de la surface de 30 X 30cm X 2,5 cm.

    Ces Compressions brutes dites « historiques » – terme employé par le critique d’art Pierre Restany dès octobre 1960 – inaugurent ce geste d’une radicale simplicité. Dès 1961, César réalise ce qu’il appelle des Compressions « dirigées » : il choisit les éléments pour leur forme, leur matière ou leur couleur, les dispose, recherche la mise en évidence des structures internes, et varie le degré de compression afin d’obtenir des effets de surface issus de l’éclatement et la déchirure du métal.

    À PROPOS DE NICE À NIMES : CÉSAR, sculpture, théière, art Baldaccini

     Cette masse régulière, réduite à l’essentiel, sans rapports hiérarchiques dans la composition, n’est pas sans évoquer les drippings de Pollock : l’interpénétration et l’enchevêtrement des tôles pliées amorcent des volumes qu’on ne voit jamais se refermer. À travers la quête d’un volume simple, d’une masse dans l’espace, César préfigure les recherches des sculpteurs minimalistes. Toutefois, les Compressions de César s’en écartent par la diversité de leurs surfaces colorées, par les pliures et les crevasses qui attirent et projettent le regard dans toutes les directions à la fois. 

     © studio point to point


  • À propos de Baldaccini César, Grand Toni, Venet Bernard, Viallat Claude et +

    présentation d'œuvres des années 1960 et 70 réalisées à Nice

     2 bis place de la Calade à Nîmes.

    Réalisation de Jean Vigo et Boris Kaufman de mai 1930.

    Durée : 25 mn,. images  noires et blanches, sonorisation  muette.

    musique Marc Péronne 2000

     © studio point to poin


  • CLAUDE LANZMANN ENTRETIENS ET VIDEO

     Claude Lanzmann et Benjamin Murmelstein

    En hommage à Claude Lanzmann, disparu le 5 juillet, ARTE rediffuse les neuf heures de son monumental "Shoah" : un événement cinématographique et historique majeur sur le génocide perpétré par les nazis sur le peuple juif. Première époque.

    Première époque “L’action commence de nos jours à Chelmno-sur-Ner, en Pologne. À 80 kilomètres au nord-ouest de Lodz, au cœur d’une région autrefois à fort peuplement juif, Chelmno fut en Pologne le site de la première extermination de juifs par le gaz. Elle débuta le 7 décembre 1941. Quatre cent mille juifs y furent assassinés en deux périodes distinctes : décembre 1941-printemps 1943, juin 1944-janvier 1945. Le mode d’administration de la mort demeurera jusqu’à la fin identique : les camions à gaz. Sur les quatre cent mille hommes, femmes et enfants qui parvinrent en ce lieu, on compte deux rescapés : Mikael Podchlebnik et Simon Srebnik. Celui-ci, survivant de la dernière période, avait alors 13 ans et demi : son père avait été abattu sous ses yeux, au ghetto de Lodz, sa mère asphyxiée dans les camions de Chelmno. Les SS l’enrôlèrent dans un des commandos de “juifs au travail” qui assuraient la maintenance des camps d’extermination et étaient eux-mêmes promis à la mort…” (Extrait du texte d’introduction diffusé au début du film)

    Seconde époque Cette seconde partie s'ouvre sur un chant fredonné par Franz Suchomel, un ancien SS débusqué chez lui par Claude Lanzmann et filmé à son insu. Il s'agit du chant que devaient apprendre, dès leur arrivée à Treblinka, les nouveaux groupes de "juifs au travail" : "Le pas ferme, regard sur le monde, droit et loin, toujours braves et joyeux, les commandos marchent au travail. Pour nous il n'y a plus aujourd'hui que Treblinka, qui est notre destin..." En réponse aux questions précises de Claude Lanzmann, l'ancien SS explique ensuite, carte du camp à l'appui, comment il était possible de "traiter" – liquider – 18 000 personnes par jour à Treblinka… Une œuvre d'art Rythmé par le fracas des trains qui roulent vers les camps, le film monumental de Claude Lanzmann sonde l'horreur, donne à entendre l'indicible et transmet l'innommable avec une sobriété de moyens et une rigueur de ton exemplaires. Faisant remonter à la surface la mémoire des survivants juifs (notamment des membres des Sonderkommandos), déjouant les ruses et les esquives des témoins polonais et des bourreaux, Shoah est une œuvre d'art sans précédent sur la "solution finale".

    Claude Lanzmann évoque ses souvenirs Jean-Paul Sartre et de Simone de Beauvoir avec Raphaël Enthoven.

    + d'infos

    le liévre de patagonie de claude lanzmann

    déces de claude lanzmann realisateur de shoah

     © studio point to point


  • CLAUDE VIALLAT PEINTURE BAGES 2018 Avec DAVID QUÉRÉ

    Claude Viallat peintre et, David Quéré commissaire de l'exposition "Ce n'est que moi"

    en compagnie de Pierrette Bloch

    avec les peintres Pierre Buraglio, Philippe Favier, Alain Lambilliotte, Jean-Michel Maurice, Pierre SoulagesClaude Viallat

    Exposition Bages 11100 30 juin / 02 septembre 2018.

    CLAUDE VIALLAT PEINTURESur papier BAGES 2018

    peintures sur papier 

    CLAUDE VIALLAT PEINTURES BAGES 2018 hommage à Pierrette Bloch

    vue d'ensemble des papiers peints par l'artiste Claude Viallat

    CLAUDE VIALLAT PEINTURE BAGES 2018

    peinture sur papier de Pierrette Bloch

    CLAUDE VIALLAT PEINTURE BAGES 2018

    James Caritey, régisseur de l'exposition en hommage à Pierrette

     PEINTURE de Claude Viallat BAGES 2018 hommage Pierrette Bloch

    peinture de Claude Viallat

    CLAUDE VIALLAT PEINTURE BANDE BAGES 2018

     Bande de peinture papier de Claude Viallat 2018

    CLAUDE VIALLAT PEINTURE BAGES 2018

     

    + d'infos clique sur les couleurs

    drawing now paris 2018 ceysson-benetiere

    Quelques peintures et travaux de Claude Viallat

    Pierrette Bloch 2012 Bages Pierrette Bloch exposition Bages 2012

    © studio point to point


  • L'ART DE JEAN-FRANÇOIS LECOURT

    JF Lecourt

    Jean-François Lecourt s’inscrit lui aussi, à sa manière, dans cette généalogie. Né en 1958, dans une famille rurale du Perche, il apprend, dès son plus jeune âge, à tirer et à chasser. Il relève les pièges avec son grand-père, puis découvre l’affût, la traque et la battue avec son père. Dans les années 1970, il est étudiant à l’École des Beaux-Arts du Mans, où il suit les cours de Gina Pane et où il rencontre Daniel Dezeuze, artiste visiteur. Marqué par la réflexion sur la violence de la première et les interrogations sur les matériaux de la création du second, Lecourt oriente, dès cette époque, sa recherche plastique vers une sorte de duel symbolique entre la photographie et le tir. Ses premiers travaux, intitulés « Tirs dans l’appareil photographique », ont été réalisés dans sa cave transformée pour l’occasion en salle de tir. L’artiste se place face à l’appareil photographique et le met en joue. Il déclenche tout d’abord la prise de vue dont le temps de pose déterminé par la relative obscurité de la cave est plus long qu’à l’ordinaire. Puis, pendant que l’image se crée, il tire dans l’appareil. Au moment où il appuie sur la gâchette, il éteint simultanément la lumière de la cave, afin de ne pas voiler entièrement le film contenu dans l’appareil éventré par la balle. Extrait de l'arme à l'œil. de Clément Chéroux > pdf

    Art JEAN-FRANÇOIS LECOURT Photographie

    JF Lecourt

    Depuis 1977, Jean-François Lecourt tire avec une arme à feu dans l’objectif des appareils photographiques pour obtenir un cliché du résultat. Cette pratique perturbe l’esprit autant qu’elle attire l’attention.

    L’approche de cette œuvre peut commencer par l’énumération d’éléments factuels et des rapports qu’ils entretiennent. Les vitesses de déplacement, celle d’un projectile d’arme à feu et celle de la lumière. Un espace contraint, celui de la profondeur d’un objectif d’appareil photographique jusqu’à la chambre où se trouve le plan du film.

    Les mesures relevées rendent l’appréhension du système difficile, voire abstraite, elles supposent qu’en dehors de la forme qui en résulte, la mise en œuvre de cette pratique artistique, pour le moins singulière, provoque l’étonnement pour celui qui perçoit la tension entre l’esthétique photographique en général, et celle improbable de son avènement par la destruction de l’appareil photo.

    La vitesse des photons est de 300 000 kilomètres par seconde, l’espace contenu entre la surface d’un objectif et le plan du film est d’environ 80 millimètres, le temps que mettra un photon pour atteindre le film sera de 0,26

    nanosecondes ou 2,6x10-10 secondes.
    La vitesse d’une balle de 22 long rifle (arme généralement utilisée par l’artiste) est de 400 mètres par seconde, le temps qu’elle mettra pour parcourir les 80 millimètres sera de 2,43 millisecondes. Extrait d'un trou noir dans l'image de Didier Larnac > Pdf

    L'ART DE JEAN-FRANÇOIS LECOURT

    JF Lecourt

    Un appareil de prise de vue chargé est disposé dans une chambre noire. A quelques pas devant l'objectif se tient le photographe, armé et visant l'appareil. Dans le même temps qu'il pressera la détente, il déclenchera l'éclairage et la prise de vue. Des débris de l'appareil pulvérisé par la balle qui aura traversé l'objectif, dans le noir, il retirera une pellicule qui aura enregistré: le geste du tireur, la course de la balle, et enfin l'impact sur la pellicule elle- même. Extrait d'un tir dans l'appareil photographique de didier semin > pdf

    L'ART DE JEAN-FRANÇOIS LECOURT

    JF Lecourt

    Jean François Lecourt en Galerie Jusqu'au 7 juillet 2018

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    Jean François Lecourt Documents

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    Studio point to point XXI


  • Outside museum / wolfgang

    WOLFGANG Tillmans Cat

    Catalogue exposition de Wolfgang Tillman

    Qu’est ce qui est différent ? au musée Carré d'Art à nîmes

    exposition du 04/05 au 16/09 2018

    Studio point to point XXI°


  • TRISHA BROWN COMPANY

    Floor Of The Forest, par Trisha Brown compagnie de danse à la . Dokumenta 12 Cassel 2007.

    Trisha Brown, née le 25 novembre 1936 à Aberdeen dans l'État de Washington aux États-Unis et morte le 18 mars 2017 à San Antonio au Texas, était une chorégraphe et danseuse américaine qui étudia avec Louis Horst, José Limón, et Merce Cunningham à l'American Dance Festival, qui a ensuite eu lieu au Connecticut College. Elle est l'une des fondatrices de la "Judson Dance Theatre" en 1970 et du mouvement de danse postmoderne. Créant la Trisha Brown Company, tout en participant au collectif d'improvisation "The Grand Union", dans lequel collaborent Yvonne RainerSteve PaxtonDavid Gordon, ou Douglas Dunn+ d'infos sur wikipediabrowntrisha

    trisha brown dance company nîmes 2018

    Trisha Brown Compagnie Danse : nîmes 2018

    TRISHA BROWN Portrait

    Trisha Brown

    Trisha Brown, née le 25 novembre 1936 à Aberdeen dans l'État de Washington aux États-Unis et morte le 18 mars 2017 à San Antonio au Texas, était une chorégraphe et danseuse américaine qui étudia avec Louis Horst, José Limón, et Merce Cunningham à l'American Dance Festival, qui a ensuite eu lieu au Connecticut College. Elle est l'une des fondatrices de la "Judson Dance Theatre" en 1970 et du mouvement de danse postmoderne. Créant la Trisha Brown Company, tout en participant au collectif d'improvisation "The Grand Union", dans lequel collaborent Yvonne RainerSteve PaxtonDavid Gordon, ou Douglas Dunn. + d'infos sur wikipediabrowntrisha

    © studio point to point 


  • Combas Dezeuze Morellet Monnier Saytour Viallat  EXHIBITION

    Saytour Dezeuze Monnier Point to Point Galerie

    Combas Dezeuze Morellet Monnier Saytour Viallat  EXHIBITION

    Combas Morellet Viallat Saytour Monnier Pointtopoint Galerie

    Combas Dezeuze Morellet Monnier Saytour Viallat  EXHIBITION

    Robert Combas

    Combas EXHIBITION

    Visite Point to Point Galerie

    Morellet Monnier EXHIBITION

    Point to Point Galerie

     Monnier EXHIBITION

    Point to Point Galerie

    Combas Dezeuze Morellet Monnier Saytour Viallat  EXHIBITION

    Point to Point Galerie

    Studio point to point XXI°


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    WOLFGANG TILLMANS

    04/05 au 16/09

    2018

    Musée Carré Art Nîmes France

    WHAT IS DIFFERENT ?

     

    WOLFGANG TILLMANS EXPOSE À NÎMES au Carré d'art

    Wolfgang Tillmans né en 1968 en Allemagne et vivant aujourd’hui à Berlin et Londres, est un des plus importants artistes de sa génération. Depuis le début des années 90, il réalise des images qui rappellent parfois les genres historiques que sont les natures mortes, les paysages, les portraits mais aussi l’abstraction. Chaque exposition peut être pensée comme une installation où les oeuvres se répondent les unes aux autres selon des correspondances, connections et récurrences.

    Ses images peuvent révéler des moments de beauté, de désir mais aussi avoir une dimension sociale et politique. Faire l’expérience d’une de ses expositions c’est faire une expérience du monde dans lequel nous vivons par le regard à la fois critique et sensible de l’artiste.

    Il y est aussi question du corps de la photographie, la feuille de papier où vient s’inscrire l’image étant nécessaire à son apparition. Ses images sont présentes dans l’espace du livre ou de magazines comme I-D pour lequel il participa au comité de rédaction pendant plusieurs années. Elles peuvent aussi être mises au service d’engagements comme récemment sa participation à la campagne contre le Brexit.

    Après deux expositions importantes en 2017 à la Tate Modern de Londres et à la Fondation Beyeler, l’exposition de Nîmes pensée spécifiquement pour les espaces du musée présentera certaines oeuvres récentes.

    WOLFGANG TILLMANS EXPOSE À NÎMES Pocket invitation

    pocket invitation

    WOLFGANG TILLMANS EXPOSE À NÎMES Portrait bleu et jaune 

    wolfgang tillmans

    http://tillmans.co.uk/

     

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    Télécharger clique « WolfganG-TillmanS-ExhibitioN-CarrE-ArT-2018.pdf »

    books click here #wolfgangtillmans downloads

    Merci Jean Marc Dante Wolfgang

    Studio point to point XXI°

    esplendor lien musiquegeometrico

    Studio point to point XXI°


  • GUILLAUME MOSCHINI

    04/05 au 16/06

    2018

    Galerie NEC Nilsson & Chiglien Paris

    Guillaume Moschini Exposition Paris

     

    Vernissage Jeudi Trois Mai à 18 Heures au 117, rue du Vielle Temple 75003 Paris

    Lorsque je rencontre Guillaume Moschini à son atelier, il me parle de ses nouvelles œuvres en abordant d’emblée la rencontre d’un matériau : la toile de coton lavée, support qui déclenche l’envie d’explorer de nouvelles voies, d’ouvrir des pistes inédites, de réinterroger et d’approfondir son travail antérieur.

    Dans ses précédentes œuvres, il avait épuré son processus de création : deux gestes francs de la brosse sur la toile crue, produisant deux traces colorées presque semblables, en léger décalage, qui traversent l’espace du tableau, ménageant un espace non peint au centre et sur les parties inférieures et supérieures de la toile. Ces deux teintes, soigneusement choisies, appliquées d’un seul jet, ne se croisaient jamais mais leur mise en présence créait une tension, un rapport de forces généré par la rencontre de leurs intensités et de leurs vibrations sur la toile.

    Au rang des artistes qui nourrissent sa recherche sur la couleur et l’espace pictural Guillaume Moschini évoque le peintre italien Giorgio Griffa, ainsi que les artistes américains Morris Louis et Helen Frankenthaler. Il souligne l’importance que revêt pour lui cette artiste en faisant référence à l’une de ses toiles exposées au Moma, « Mauve District », dont les teintes et la composition ont fréquemment servi de socle à ses recherches. Comme ces trois peintres, Guillaume Moschini utilise de la toile de coton ou de lin brute. Le support non apprêté, permet à la peinture de faire corps avec la toile, à la couleur d’irriguer les fibres, d’infuser la matière.

    Aujourd’hui, la toile lavée offre des possibilités inédites. La fibre échevelée diffuse irrégulièrement les pigments au cœur du support, la peinture se développe au-delà de la ligne initialement tracée. Cette propriété induit pour l’artiste une approche renouvelée du geste et du travail sur la couleur. Dans les œuvres récentes, le résultat final est le fruit de nombreux passages d’encres très fluides et diluées à l’alcool à brûler. L’artiste utilise la légèreté, la transparence et l’autonomie de la matière picturale pour créer des modulations extrêmement raffinées, des effets mats et soyeux, superposer les plages colorées qui fusionnent et dont les frontières ne sont plus clairement délimitées. Le peintre se saisit de cette libération chromatique qui explose en bulbes ou en cratères, de l’empiètement des couleurs les unes sur les autres, des affleurements spongieux ou arachnéens sur la ligne de partage entre les deux couleurs et la partie de la toile restée vierge pour créer un trouble rétinien, laisser naître une émotion, plonger le spectateur dans le domaine de la sensation, de la contemplation méditative. Il y a dans les œuvres récentes comme une épaisseur de temps de plus, un approfondissement de la vibration colorée, une quête de la couleur sublime, veloutée, autant qu’un jeu sur la frontière, la ligne indéterminée, l’empiètement, la force interne des couleurs à l’œuvre.

    Lors de notre entretien, Guillaume Moschini fait référence au peintre anglais Peter Joseph à qui il souhaite dédier ses derniers travaux. Ce coloriste connu dans les années soixante-dix pour ses œuvres bicolores très rigoureusement construites s’est progressivement affranchi des contraintes qu’il s’était fixé pour laisser place à des compositions très libres et créer des œuvres lumineuses, d’une simplicité et d’une justesse étonnante, dont la fraîcheur et la grâce touchent par leur évidence. C’est dans ce sillage que Guillaume Moschini s’inscrit, dans la même quête de la sensation pure, de l’indicible émotion produite par le jeu des couleurs et de leurs résonnances dans l’espace du tableau, dans l’aspiration à transcrire l’impalpable : l’atmosphère et la lumière des jours. Martine Guillerm, Mars 2018 ©

    GUILLAUME MOSCHINI EXPOSITION GALERIE NeC PARIS

    Guillaume Moschini dédicace la couleur Art Paris Art Fair.

    + Infos Liens

    Galerie NEC Nilsson & Chiglien Paris

    pointtopoint-galerie.com Moschini Guillaume

    Merci Alain Roger et Guillaume Point to Point Studio

    Studio point to point XXI°


  • CAROLINE TAPERNOUX ARTPARIS•PARIS•ARTRAIR

    Caroline Tapernoux